El cine es toda una forma de arte en sí mismo. Pero las películas que abordan las alegrías y los dolores del proceso creativo realmente tocan un acorde especial.

Desde las bellas artes hasta el diseño de sitios web, las películas son una fuente de inspiración sin importar su disciplina creativa. Hay innumerables películas que influyen, tocan y fascinan nuestras mentes. Comenzando con documentales que analizan el campo del diseño gráfico, como Helvetica, hasta películas con una cinematografía impresionante, cada fotográma congelado es una inspiración en sí misma.

La lista a continuación presenta siete películas / documentales que tienen creatividad en el papel principal. Estos clásicos tratan sobre el papel que juega el arte en nuestras vidas, sobre la ambición creativa y, a veces, el fracaso que sigue.

Synecdoche, New York, 2008, Charlie Kaufman

Synecdoche, Nueva York, es una película melancólica y estimulante que trata sobre arte, sexualidad y muerte. Su alcance épico sigue al director de teatro Caden Cotard (Philip Seymour Hoffman) mientras presenta una obra tan grande y vasta como la vida misma. Los actores de Caden residen en el set, ensayando su actuación de improvisación sin parar, frente a ninguna audiencia, en el transcurso de muchos, muchos años. El título de la película es un juego de palabras sobre la ciudad en la que viven los personajes, Schenectady, Nueva York, y alude al término literario "synecdoche", que significa una parte de algo que se refiere al todo (o viceversa). En línea con este concepto, esta obra maestra cinematográfica parece referirse al arte como un símbolo para la vida, pero no en la forma motivadora, "qué-es-vivir-sin-crear". Más bien, Synecdoche, Nueva York, es una inspección del impulso humano por la grandeza artística y su inevitable fracaso, que está interrelacionado con nuestro inminente fin.

Jodorowsky’s Dune, 2014, Frank Pavich

Este documental analiza el proceso creativo detrás de una película de la década de 1970 que nunca se produjo o filmó. El director Alejandro Jodorowsky (El Topo, La montaña sagrada) tenía la intención de adaptar la novela de ciencia ficción de Frank Herbert, Dune, a la "mejor película jamás realizada". Para Alejandro, estaba a punto de convertirse en una obra maestra cinematográfica, una profecía espiritual esclarecedora, una alucinación que expandía la conciencia. Y su punto de vista no ha cambiado ni siquiera cuatro décadas después del intento fallido. Es fácil ver por qué: Alejandro ya había reclutado a gigantes como Mike Jagger, Salvador Dalí y Orson Welles para protagonizar la película, y tenía genios de la música como Pink Floyd a bordo para la banda sonora. El elaborado arte y el guión gráfico que se crearon para la película han influido en muchas producciones de Hollywood, incluidas Star Wars y The Fifth Element. Pero si bien sigue los pasos de una película nunca hecha, la duna de Jodorowsky no está amargada por el fracaso. En cambio, cuenta la historia de soñar en grande y dar lo mejor de ti, de la ambición y el poder fascinante del potencial artístico. Es este potencial, alega Alejandro Jodorowsky, que todavía está ahí afuera. "Dune está en el mundo como un sueño", dice, "pero los sueños también cambian el mundo".

Paterson, 2016, Jim Jarmusch

Esta película de Jim Jarmusch es una carta de amor a la poesía de lo cotidiano. Trae a nuestra atención las pequeñas formas de la vida de hacernos sonreír, con detalles que pueden llegar fácilmente a las líneas de un poema. Una coincidencia afortunada: el actor Adam Driver protagoniza la película como conductor de autobús. Y otro más: el nombre de su personaje es Paterson, y vive en la ciudad de Paterson, Nueva Jersey. Esta visión lírica del mundo es similar a la propia visión de Paterson sobre la vida, una que señala todos esos pequeños atisbos de belleza que se encuentran en su rutina prosaica y realista. Conductor de autobús por oficio, Paterson dedica su tiempo libre a escribir poesía. Guarda sus poemas en un cuaderno, que no comparte con nadie. Tampoco tiene la intención de publicarlos en el futuro. Su esposa, Laura, también es del tipo creativo. Ella explora diferentes medios artísticos de todo corazón y con una pasión inquebrantable, hasta pasar al siguiente esfuerzo: desde la pintura de patrones en blanco y negro, a la música country, a hornear cupcakes. Con gracia, realismo y franqueza, Paterson aplaude la búsqueda de la pasión creativa. No necesariamente en busca de fama o éxito, sino simplemente porque sí.

Frances Ha, 2013, Noah Baumbach

Frances (Greta Gerwig) es una aspirante a bailarina de Nueva York que, a los 27 años, atraviesa un período incómodo con su carrera y su vida personal. A pesar de no tener trabajo, apartamento ni apenas amigos, Frances mantiene el ánimo. Ella cree que tiene una gran promesa artística, y que grandes y bellas cosas la esperan en el horizonte, incluso si todas las pruebas apuntan a lo contrario. Frances es un tipo de heroína incómoda pero elegante. Se siente un tanto autorizada cuando se trata de su éxito artístico, que puede ser desalentador, pero también es encantadora y brillante con un juego creativo. La película la sigue mientras sus grandes sueños se enfrentan con la realidad de la vida adulta. Con su banda sonora monocromática en blanco y negro y en su mayoría francesa, la película rinde homenaje a la New Wave francesa y su representación de la juventud. Una escena notable, que representa a Frances bailando por las calles de Nueva York, es un homenaje directo a Bad Blood de Leos Carax.

Manifesto, 2015, Julian Rosefeldt

No espere que una película que comenzó como una instalación de arte tenga una gran trama, pero puede confiar en Manifiesto para que sirva como un ejercicio intelectual brillante. La película presenta a Cate Blanchett alternando entre 13 personas diferentes. Colocados en escenarios comunes como una fiesta de cócteles o una transmisión de noticias de televisión, los personajes que interpreta transmiten el texto de los manifiestos de varios artistas. La película separa las palabras de sus escritores predominantemente masculinos y su contexto del mundo del arte del siglo XX. En cambio, se ponen en la boca de una estrella de cine femenina contemporánea, creando un cambio brusco en la mentalidad. La película coloca un pathos artístico y filosófico en los momentos de nuestra vida cotidiana que están infundidos con un poco de extravagancia por sí mismos. Una maestra que transmite conocimientos a su clase, o una madre que dice gracia en la cena familiar con sincera intención, de repente puede parecer pomposa y demasiado apasionada al repetir, literalmente, las palabras Karl Marx o Wassily Kandinsky.

Escenas de la película en el sitio web personal del director.

Pina, 2011, Wim Wenders

Pina comenzó como un proyecto de colaboración entre el director Wim Wenders y la coreógrafa e intérprete Pina Bausch. Cuando Pina falleció solo unos días antes de que comenzara el rodaje, la película cambió su curso. Se convirtió en un testimonio en su honor, y en un intento de preservar su cuerpo de trabajo. Este documental en 3D presenta a sus bailarines mientras interpretan el repertorio de Pina tanto en el escenario como en el mundo: en las cimas de las colinas, en las calles, en edificios con paredes de vidrio. Entre los segmentos de su exquisito baile, también vemos entrevistas con los bailarines. O mejor aún, vemos fotos de sus rostros silenciosos y solo escuchamos sus recuerdos de Pina, interpretados como una voz en off. Wim Wenders logra mostrar la danza en la película de una manera que es más que una documentación de varias presentaciones en vivo. La película Pina crea una experiencia visual de movimiento y arte.

Beautiful Losers, 2008 Aaron Rose y codirigido por Joshua Leonard.

La cinta se centra en la carrera y el trabajo de un grupo de artistas que desde la década de 1990 comenzó un movimiento en el mundo del arte utilizando la estetica do it yourself del skateboarding, grafiti y la mъsica underground como el punk rock y el hip-hop.4 Algunos de los artistas que aparecen en el documental son Thomas Campbell, Cheryl Dunn, Shepard Fairey, Harmony Korine, Geoff McFetridge, Barry McGee, Margaret Kilgallen, Mike Mills, Steven "Espo" Powers, Aaron Rose, Ed Templeton y Deanna Templeton.

Una serie de entrevistas con estos artistas explica sus ideas detrбs de su estilo de arte urbano "do-it-yourself". Algunos de esos artistas hablan sobre su crecimiento hacia la cultura artнstica popular y explican cуmo volverse renombrados y admirados en el mundo artнstico fue algo que nunca les ocurriу mientras se encontraban haciendo arte callejero o creando arte para ellos mismos. Muchos de los artistas que comenzaron a ser reconocibles hablan sobre una serie de йxitos comerciales: creando publicidades para productos populares, diseсando productos ellos mismos, trabajando en el cine y siendo contratados para pintar y crear piezas artнsticas en sitios conocidos. Tambiйn se habla de los sentimientos y convicciones de algunos de los artistas y cуmo crear trabajos para corporaciones se compara con sus comienzos en la cultura callejera. La pelнcula muestra a los artistas por fuera del reino del arte contemporáneo.

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